艺术品创新

1、创新艺术包括哪些

艺术传播即指借助于一定的物质媒介和传播方式，将艺术信息或作品传递给接受者的过程。 艺术接受即指在传播的基础上，以艺术作品为对象、以鉴赏者为主体，积极能动的消费、鉴赏和批评活动。 以往从艺术作品到艺术欣赏，大多采用简单的、直接的传播方式，传播的意义并未引起人们的关注，这主要是由于生产力水平及科技水平的局限，致使传播功能落后，未能对艺术活动产生较大的影响。而在近百年、特别是近几十年来，世界科学技术的迅捷发展对于艺术活动产生了巨大影响。电子技术、卫星技术、计算机技术等高新科技的发展以及在文化艺术领域的广泛应用，使艺术传播方式和功能获得重大进展。它不仅使影视艺术成为当今最具有大众性的艺术样式，同时也将其中许多表现形式和传播方式影响到其它艺术样式，视像技术的优越性功能得到充分的体现。艺术传播在当代艺术活动领域，已经显示出越来越重要的作用和地位，对于艺术品的传播形式、规模、速度、周期、增殖量大小，以及对于接受者的接受方式、欣赏情趣等，都具有极大的影响。 艺术的接受，包括艺术的消费、鉴赏和批评，是艺术活动的终点，也是艺术家及艺术作品内在价值获得最终实现的根本途径。艺术接受者的鉴赏与批评活动具有很强的主体性意义，它既是对于艺术作品的审美认知、诠释和创造，同时也是与艺术家的精神交流和对话。艺术接受还可以对艺术家乃至客体世界予以精神性反馈，从而实现艺术活动与社会活动的联结，使艺术活动融于人类社会活动的宏大系统中，并在其间发挥权极的作用。 是门类艺术与哲学、美学、文化学、社会学、心理学、传播学、人类学、比较学、艺术史学等相结合的学科。从艺术本质、艺术起源、艺术发展、艺术创造、艺术鉴赏、艺术传播等各个方面，探讨人类艺术发生与发展的规律，未来的走向及变化。美术传播的理论与历史研究方向更着眼于美术领域中的大众传播,研究在新媒体背景下,美术作为传播信息和传播载体的种种问题。

2、福建省值得推荐创新的非物质文化遗产艺术品有哪些？？？。

一共有近200项：
福建非物质文化遗产主要包括这六个方面内容：
1、口头传统以及作为文化载体的语言。包括福建各地区的方言及民间谚语、民间故事、民间歌谣、民间传说等。如霞浦畲族小说歌、闽南童谣、陈三五娘传说；等等
2、传统表演艺术（含戏曲、音乐、舞蹈、曲艺、杂技等）；包括传统戏剧如歌仔戏、梨园戏、莆仙戏等；传统曲艺如福州评话、答嘴鼓、漳州锦歌等；民间舞蹈如泉州拍胸舞、邵武傩舞、龙岩采茶灯等；民间音乐如泉州南音、茶亭十番音乐、浦城闽派古琴等；民间美术如漳州木版年画、柘荣剪纸、惠安木雕技艺等；传统杂技与竞技如建瓯挑幡、宁德霍童线狮、自然门武术等。
3、民俗活动、礼仪、、节庆；包括福建民间添丁庆寿旧俗、婚嫁旧俗、丧礼旧俗、民间节日、庙会、民间传统信仰习俗等。如闽西客家春耕习俗、惠安女服饰、丰泽虫寻埔女服饰、闽东畲族婚俗、仙游枫亭元宵游灯习俗、闽西客家元宵节庆、宁德畲族三月三节俗；等等。
4、有关自然界和宇宙的民间传统知识和实践；包括各种具有福建特色的生产生活技艺与工具等。如福州同利肉燕制作技艺、福州聚春园佛跳墙制作技艺、福州永和鱼丸制作技艺、泉州传统竹编工艺、明溪肉脯干制作工艺、沙县小吃制作工艺；等等。
5、传统手工艺技能；包括福建各种工艺美术制品的独特制作技艺。如德化瓷工艺、泉州李尧宝刻纸、安溪蓝印花布、将乐民间龙池古砚制作工艺、将乐西山造纸技术、武夷岩茶（大红袍）传统工艺技能及习俗、建阳建本雕版印刷、永定客家土楼建筑工艺、连城四堡雕版工艺、福安银器制作工艺、寿宁木拱廊桥制作工艺、福鼎饼花工艺；等等
6、与上述表现形式相关的文化空间。包括福建民间各种定期举行传统文化活动或集中展现传统文化表现形式的场所。如云霄开漳圣王巡安民俗、南安英都拔拔灯、石狮蚶江端午海上泼水习俗、龙岩适中盂兰盆节俗、福鼎双华畲族二月二歌会、周宁浦源护鱼习俗；等等。

3、论艺术的继承与创新

继承与创新看起来是一对矛盾，从语言学的观点看，这一矛盾就是语言的稳定性和变易性之间的矛盾。作为设计者在形式设计上的得失成败取决于所掌握“词汇”的丰富程度和运用“语法”的熟练程度。设计者要想使自己的作品能够被他人真正理解，就必须选择恰当的“词”并遵守一定的“语法”。但这并不意味着设计者只能墨守成规，毫无个人的建树。设计者巧妙地运用个别新的符号，或者有意识地改变符号间的一些常规组合关系，创造出新颖动人的作品，这也就是设计上的创新。
构成中有一种“特异”的构成手法，即在似乎很平淡的构成中突然出现一个“异类”的元素，使得本身很平淡的方案达到意想不到的效果，带有创新意识的新符号就如同这个“异类”。在人们对习以为常的事物难以引起足够的注意和兴趣情况下，将一些常见的符号变形、分裂，或者把代码编制顺序加以改变，就可以起到引人注目、发人深省，加强环境语言的信息传递的作用。美国著名建筑师查尔斯•摩尔设计的奥尔良市“意大利广场”就是在设计中大胆抽取各种古典的要素符号，并以象征性的手法将其再现出来。整个广场以巴洛克式的圆形平面为构图，以逐渐扩散的同心圆及黑白相间的地面铺装向四周延伸出去，直至三面的街道上。罗马的古典柱式经过改头换面以全新的面貌呈现，如科林斯柱式用的是不锈钢柱头，檐壁上用拉丁文雕刻着“此喷泉为市民们献予全民之赠礼”的献词；多立克柱式上流泉汩汩，圆券上嵌着微笑的摩尔头像，水正不断地从他嘴里吐出，在这里不仅充满了欢快浓郁的现代商业气氛，而且具有对乡土强烈的依恋之情。今天，各种方盒子式建筑被认为超然于历史性和地方性之上，只具有技术语义和少量的功能语义，没有思索回味的余地，导致了环境的冷漠和乏味而受到批评。对此用信息论有关原理来解释，就是环境符号系统所载有效信息太少。鉴于此，后现代建筑师文丘里大声呼吁：“丰富建筑的内容，同时使建筑成为包括其他方面的多维艺术，甚至包括文字，使它不再是一个纯粹的空间的工具。”他主张以环境的复杂性和矛盾性代替现代派提倡的简洁性，以语义的模棱两可和紧张感代替平铺直叙，以语义的多重性反对非此即彼的机会主义，要混杂而不要一目了然的统一。
斯特恩设计的“最好的”产品陈列室是一个典型的例子，它立面上采用了许多传统的符号和构成形式，尤如古希腊神殿的立面图，以此暗示他要表达的主题立意：即把该建筑作为“消费主义的神殿”，反映商业化社会人们的价值观念和商业活动在今天人们日常生活中的重要性。但是隐喻的手法是复杂的、多重的，不经认真思考，人们难以马上从其表象领会到真正的意义。这样的设计作品，不但比方盒子有思想深度，就是比单纯地追求像一艘帆船或者一只猛禽等具象的象征主义更耐人寻味，更富有哲理。把环境作为一种符号现象，为解决长期困扰设计人员的继承和创新的矛盾问题提供了一条有效的途径。设计符号像文字语言一样，既根于往昔的经验，又与飞速发展着的社会相联系，新的功能、新的材料、新的技术召唤着新的思想。所以一方面它如同文字语言一般缓慢地变化着，另一方面又随着社会飞速地发展。怎样使环境既具有历史的连续性，又适应新时代的要求?随着时代的前进，科学技术的进步和文化交流的频繁，“词汇”和“语法”在发展中趋于统一的态势，但是一个民族由于自然条件、经济技术、社会文化习俗的不同，环境中总会有一些特有的符号和排列方式。就像口语中的方言一样，设计者巧妙地注入这种“乡音”可以加强环境的历史连续感和乡土气息，增强环境语言的感染力。美国美学家苏珊•朗格曾经说过，一个符号总是以简化的形式来表现它的意义，这正是我们可以把握它的原因。不论一件艺术品(甚至全部艺术活动)是何等的复杂、深奥和丰富，它都远比真实的生活简单。
因此，艺术理论无疑是建立一个有效于生动现实的心灵概念这样一个更为伟大事业的序言。符号活动已经包含了某种抽象概念的活动，已经不再停留在个别之上了。视觉符号是一种艺术符号，也是表现性符号。相对推理性符号而言，视觉符号没有自己的体系，任何视觉符号都有一定的文化内涵，只有体现在一定的情感结构中，围绕着一个特定的主题有机的结合在一起。知青饭店、老三届、毛家菜馆等等商业建筑里，都采用了斗笠、玉米棒、粗木桌椅、水井等等，甚至为了营造气氛更是将服务员的服装、以及菜单名也巧妙地融入其中，这些不同地域农村中富有典型意义的视觉符号营造的环境，在这里就如同一本旧相册，记录着不同人的经历。使得设计变得更亲切，更值得去回味。视觉符号的象征性不仅在形式上使人产生视觉联想，更为重要的是它能唤起人们思索联想，进而产生移情，达到情感的共鸣，建筑也因而更具有意义。
城市建设的高速发展带来了日新月异的变化，但与此同时我们也失去了许多永远无法复得的东西——历史文脉。历史形成的街道、胡同、牌坊、宗教圣地等等城市形态作为完整表达建筑和城市意象的符号系统，被成片、成街、成坊地被拆除，威胁到城市形态的相容性和延续性。尊重历史传统并不等于食古不化、拘泥于传统。相反，有意识地保留这些传统，将使得这个城市更富有地方风味。其实，“立新”不必“破旧”，关键在于如何以传统而又时尚的手法，创造出新旧共生的新的城市形态(符号)。“新天地”项目是位于上海市兴业路黄陂路、中共一大会址的周边地区，“会址”对面的南地块，设计为不高的现代建筑，其间点缀一些保留的传统建筑，与“会址”相协调。而“会址”所在的北地块，则大片地保留了里弄的格局，精心保留和修复了石库门建筑外观立面、细部和里弄空间的尺度，对建筑内部则作了较大的改造，以适应办公、商业、居住、餐饮和娱乐等现代生活形态。从目前已建成的部分看，得到的好评很多，已有较大的影响。 据说销售与经济效益亦见好。其实，在上海这个东西方文化冲击的大都市里，传统的里弄生活形态从来没有死过，“新天地”给予它的只是合理的变化和延续，留给我们的是更多的思索与启示。著名哲学家恩斯特•卡西尔认为人是符号的动物。人类所有精神文化都是符号活动的产物。人的本质即表现在他能利用符号去创造文化。因此，一切文化形式，既是符号活动的现实化，又是人的本质的对象化。我们可以将简约而又复杂的语义，以传统而又时尚的语构，运用于现代艺术设计中，从而创造出个性化、人文化的全新设计符号。

参考文献:

[1]詹和平．后现代主义设计[M]．上海：上海译文出版社，1988．
[2][美]苏珊•朗格．情感与形式[M]．

4、名词解释什么是艺术创新？

创新离不开对新、奇的追求，没有求新、求异、求变思想意识的人，是不可能做到成功创新的。但是创新不是随意的，盲目的，新、奇的思想意识并形成独特的艺术思想，且最终变成完美的全新艺术品，才能真正实现艺术创新。

5、徐政夫：为什么说艺术的核心在于创新

为什么说艺术的核心在于创新
徐政夫：我手里有本画册，这是李可染的儿子李庚的展览。我们今天看李庚老师的画，他的作品没有继承李可染的风格，也没有中国传统水墨的味道，这是为什么？目前，在整个中国拍卖市场中，中国水墨画占了很大比例，但是，在国内、港澳台的八大国际艺术博览会里面，很少很少是卖中国水墨书画的。这么多人花了那么多钱买水墨画，可是国内外的博览会几乎没有画廊卖，国外的博物馆也少有。这是为什么呢？原因就是，外国人看不懂中国水墨画，外国人理解不了中国水墨中特有的美学、哲学思想。所以如何将中国水墨推到国际，这是一个很重要的事情。
当代水墨和传统水墨目前正在交集当中，我要提醒大家，现代的艺术家、收藏家千万不要只沈迷在传统水墨当中。因为艺术的核心价值是“创新”，这一点非常重要。没有创新就不是艺术。就像蔡国强一样，我们人人都会放烟火，但是没有人像他一样，他将烟火做成了艺术品，这里面融入了他独一无二的思考与智慧，创造出另外一种作画方式。当代艺术是非常开放、自由的，任何的想法、创意在现在的国际社会都可以被接纳、被尊重，蔡国强的烟火语言或表演，是中国人的，但也是世界的，甚至于在国际上比在中国更受到推崇重视。这就是我们现在这个社会最伟大的地方。
在拍卖市场，写实水墨画的价格都不高，像陈逸飞这么优秀画家的作品也没曾梵志、张晓刚高。为什么呢？因为写实画在十八、十九世纪的欧洲已达到高峰，除非像王沂东一样有中国红和青春纯朴的特色，否则你现在继续画写实已无新意，写实是一个重要的学习过程，但是它缺乏创新，这就是为什么八大山人的画很贵，曾梵志一个面具就值几千万，蔡国强会被世界关注，徐冰的“凤凰”可以亮相圣彼得大教堂。梵高永恒伟大的地方。因为正是他们的创意，为美术史做出了贡献，为我们的生活增加了美丽、欢乐。
当然只有创意还是不够的，作为中国艺术家，作品里一定要有中国元素。徐冰在读书时就研究刻板，将中国文字作另类组合，做成了天书，这就是利用中国的印刷术。蔡国强利用的是火药。用中国的观念艺术进入国际社会，因为外国人对这几位艺术家的中国创意感到好奇、喜欢、认同，所以他们能成为世界著名的艺术家。
所以还是回到那句话，艺术没有古今没有中外。例如我手里这本书，是一个英国有名的专卖金器的古董商到北京办展览时留给我的。他收藏的东西大都来自美索不达米亚地区，很漂亮，这种古典艺术有时候比现代还美还“现代”。

6、送什么艺术品礼物给女友好？有点创新的

楼主如果有1-2周以上时间，可拿她脸的正面照片，去订一个真人版的个性陶偶送她，“陶偶网”现6折卖，一百多块一个，
也可订一对，拿二人照片去。
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类似于今年春晚冯巩小品中的塑像，有特别纪念意义。
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7、科学技术的进步对艺术创新产生了什么样的影响？？急急急…………

各种新材料新技术的开发和出现为艺术的表现和体验带来了形形色色的创新，比如以前的主要造型艺术形式无外乎架上绘画，浮雕，圆雕，材质多为矿物颜料加入比较单调的调和剂，石材，木材，陶瓷，涉及到金属类比较少，其限制主要在铸造工艺以及冶炼技术的不发达，工业革命后，以金属作为创作材料的艺术品明显增加，更加速了与人们息息相关的衣食住行等生活及交通工具等等各方面的实用性、装饰性甚至艺术价值的融合于提高，以及后来包豪斯学院对设计的重新诠释，更是科学技术进步对艺术创新的激发及人类智慧的闪光，将极简主义和极繁主义等现代艺术理念展示给世人，突出实用性与别样艺术体验。
科学技术的进步体验更开拓了艺术全新的领域，光电技术的进步，将电影艺术从二维推动到三维体验（如阿凡达电影），甚至体感四维体验，更有甚者还能给人们嗅觉的体验，而所有这些技术都将会被艺术家们运用到极致，给世人带来更多的体验和认识。

8、试论当今社会对于艺术作品中艺术创新的理解

谈艺术创新的本质
文章来源：《美术报》2006.1.14
作者：薛宣林

创新是人类文明进步的灵魂或原动力，更是人类艺术发展的生命。纵观全部美术历史，艺术史上的每一次发展和进步无不以突破和创新为契机。在景象万千，变幻莫测的艺术长河中，最终能够流芳百世的只能是那些集创造性，特色性和美的规律性为一体的“千古绝唱”。而那些人云亦云、随波逐流，缺乏个性特色的所谓艺术或伪艺术，必将如过眼云烟，转瞬即逝，不断地消失在人们的记忆中。艺术创新不同于我们一般意义上所讲的创新。千百年来，艺术创新特别是中国绘画艺术创新问题，一直是人们争议的焦点。艺术创新的本质问题，不仅关系到整个艺术的发展方向，而且关系到每一个致力于艺术创新者的成败。那么，艺术创新的本质是什么呢？换言之，怎样的创新才能算是成功的创新呢？ 一、艺术尤其是绘画艺术的特殊形式，决定艺术创新不同于一般意义上的创新。 创新,顾名思义就是指抛弃旧的，建立新的。一般意义上讲的创新，往往是从使用价值上来进行判断的，必须考虑到他的时效性、实用性，价值性等因素。要看能否提高劳动生产率，能否做到创新成果价值的最大化。一项伟大的发明和创新可能对整个社会文明的进步带来巨大的推动作用。反之，一些不能够达到上述结果的创新，有可能是无效的或者说是多余的。所以，我们说，创新也应分为有效的或有价值的创新和无效的或无价值的创新。自然创新如此，艺术创新也应如此。因此，艺术创新也存在有效的，有价值的创新和无效的无意义的创新。之所以强调这一点，就是要求我们去力争做到价值创新。即必须符合或具备审美的特殊性。也就是说，艺术创新既存在创新的一般概念，又有自己独特的个性特征。要做到或解决艺术创新问题，就必须在审美的特质中寻找答案。 （一）、审美的特质决定了艺术创新，特别是绘画艺术创新的真伪。 艺术，尤其是绘画艺术，它的存在与发展主要是为了满足人们各自不同的审美需要。正因为此，就决定了艺术创新特别是绘画艺术创新，首先是属于视觉艺术的范畴。脱离了视觉艺术范畴的创新，不是我们这里所讲的艺术创新。也就是说无论怎样创新，它必须首先是造型艺术。即都是用笔或相当于笔（如刀等实际起到笔作用的替代工具都可称为笔）。色彩、墨等物质材料在纸、编织物、木板或墙壁等平面上，通过构图、造型和设色等表现手段，创造成可视的形象。这是一个基本的界定。当然这里主要讲的是绘画艺术，无论你怎样画，怎样开拓，它都不能脱离造型艺术这一视觉艺术的框架。讲到这里，大家可能感觉到许多与之不相符的所谓的艺术，特别是绘画艺术的创新实际上是一种曲解。这里就不赘述了。 （二）、仅仅追求新、奇是远远不够的。
创新离不开对新、奇的追求，没有求新、求异、求变思想意识的人，是不可能做到成功创新的。但创新不是随意的、盲目的，尽管康丁斯基从一次将画放倒了，引发抽象画的创新，但不等于康丁斯基的创新就取决于这一新、奇的发现或举动。这一点在他其后所著的《论艺术之精神》中得以佐证。新、奇的思想意识并形成独特艺术思想，且最终变为完美的全新艺术品，才真正实现艺术创新。与之相反，如在现实生活中，用大笔在一个大操场上写一个大字，或用气功画画，或用身体滚画等等新、奇的举动，就根本不是艺术创新，甚至根本就不是艺术。因为，我们不能从形式上看出有其独特的审美特质。我们只能从这些新、奇的行为中，看到了杂耍表演的动作或结果。所以不属于艺术特别是绘画艺术创新的范畴。包括我们许多画家，练就几种熟练的技巧当面作画搞笔会，从本质上讲也近似于伪艺术的杂耍表演。可令人吃惊的是，我们的媒体还经常当成艺术新闻加以报道。
（三）不美反丑的“创新”决不是艺术。更谈不上艺术创新和绘画艺术创新。
这个问题，我这里一讲就明白了，可在现实生活中，就有一些艺术家，打着创新的旗号，在制造着不美反丑的“艺术”。我这里需要指出的是，尽管有的不美反丑的“艺术品”价格炒的很高，而且还在不断上涨。但最终都逃脱不了被历史所唾弃的命运。艺术特别是绘画艺术，与一般商品一样它是为了满足人们精神需要。也是有其价值属性的，他的价值属性就是审美的特性。如一种食品它具备满足人们饮食的需要，所以才有价值。当人们吃完消化后，其食品的功能也随时消失了。它就由一种食品物质而转化成了垃圾物质。艺术特别是绘画艺术也如此，它作为一种精神物质的存在的基础和条件，就在于它的审美功能。记得十几年前，我在深圳的时候，有一位画家拿来一幅画的全是骷髅的画，给我看，问我画的好不好，算不算创新。我问他，你是为谁而画，你创作的目的是为了医学还是为了艺术，他说他不是医生，不为了艺术。一幅自己可能看了都害怕的画，怎么能称得上是艺术呢？因为这类所谓的创新艺术品，已失去或部分失去了审美的功能，只能是属于垃圾的范畴。如今，在艺术市场上，一些不美反丑、怪模怪样，看了令人很不舒服的所谓创新艺术品比比皆是。有的价格还在节节攀高。这些失去或部分失去审美功能的“伪艺术”，应引起我们的警惕。
二、艺术创新尤其是绘画艺术创新的本质等于美的创造。
在浩如烟海，广漠无垠的艺术世界里，唯有美到极至的艺术品，才能真正受到人们的追棒而流芳百世。千百年来能够世代相传，不断创造价格奇迹的艺术品。首先，都是来自于艺术奇迹的创造者。完美的作品只有凝聚了创造者们的全部生命和智慧。才能获得永恒的生命力。艺术创新和绘画艺术创新，就其本质而言，必须具备两个前提和条件。
（一）、美是前提
如前所述，一个令人恐惧或让人感到厌恶的作品为什么不能称其为艺术品呢？因为它失去了艺术的本质前提——美。所以就失去了艺术品的特质。因篇幅有限我这里不能就审美的问题展开论述。“美是引起人类生命主体精神有益性的整体和谐与统一” （详见《薛宣林艺术论》第108页）。艺术创新特别是绘画艺术创新必须以美为前提。这是因为作为视觉艺术而存在的造型艺术品。它是以审美客体而存在，即首先应具备，让人能够产生美感的特征。也就是说审美是由审美客体与审美主体的关系而共同存在的。只有能够让审美主体产生了共鸣或美感时，审美的客体才有价值——美。若我们的审美主体不能从审美客体中产生美感或美的享受。那么就没有完成审美过程，客体就没有作为审美对象物而存在，构成审美形式，那么，客体就失去了美的特性。这样的创新就是失败的，是毫无美学价值的。在失去了美的前提下的任何艺术形式与内容就没有审美的价值。倘若客体对主体不仅没有产生美感，甚至使人产生非愉悦感。那么，对象物就与丑和恐惧划等号了。这就如同我们在森林里看到美丽的老虎，在散步时听到枪声毫无二致了。也如同我们看到有些人画的画，反而让人想到死亡等一样。美感荡然无存了，还谈什么艺术创新呢？由此可见，任何让人感到不美的创新，都不是审美意义上的创新。都不是真正意义上的艺术特别是绘画艺术创新。美的艺术必须能够引起人类生命主体有益性的整体和谐与统一。正如我们平常所说人能够让人赏心悦目，陶冶情操，令人陶醉。
（二）、创造是艺术创新特别是绘画艺术创新的基础。
任何没有美感的艺术创新是毫无审美价值的。那么，仅仅美还是不够的，没有创造的美，同样没有艺术的审美价值。就如同我们经常在市面上看到一件《清明上河图》的复制品，便宜的几乎到一般小商品价值的地步。这就是因为失去了创造性。也就失去了艺术创新的价值，就变成了一般的工艺品，而不是纯美术品了。艺术特别是绘画艺术，是不可以重复的，我们说工具是可以重复的，但真正纯粹的艺术品是不可以重复的。如我们盖一个与古人一样的房子，一样可以居住。但画一幅与达芬奇一样的画，就没有什么价值了。内容如此，形式更是如此，我们讲艺术创新特别是绘画艺术中的创新主要就是形式的创造。如我们看第二部电视剧《射雕英雄传》和第二部《西游记》很少有人坚持看完，而且都说不如第一部好。其实并不是原来的演技不好，而是审美特性所决定的，任何重复的美，因为失去了创新性，所以也就失去了审美性。人们看了因为不能产生美感而厌烦。同样，当你看了某人画的画，风格、技法与某某大师一样时，你自然就不喜欢，认为没有价值就是这个道理。因此，艺术创新特别是绘画艺术创新必须是一种创造，而且最好是全新美的创造。这种创新就其本质而言，是对古人的一种超越，是对传统的一种变革，又是在发展中的一种继承。他必须是一种前无古人的超越。哪怕是不成熟的。由此可见，一些模古、模师的作者们是多么的徒劳和可笑。其艺术品的价值又能有多大呢？
（三）艺术创新特别是绘画艺术创新必须是美的创造，两者相辅相成，辩证统一，缺一不可。
大凡真正伟大的艺术家，都是美的创造者。古往今来，任何伟大的艺术大师，他们都是时代的弄潮儿，都是艺术历史的创造者，他们的作品都凝聚了大师们生命的结晶，都是美与创新的完美结合体。达芬奇、凡高、毕加索、徐悲鸿、张大千、吴昌硕、黄宾虹、林凤眠，傅抱石等等 。他们都以接近完美的创新。给我们留下了宝贵的财富。艺术的创新特别是绘画艺术的创新必须是美与创造的完美结合。越是将两者高度统一的创新者，其艺术品的审美价值就越高。 综上所述，人类艺术美的历史，都是美的创造者们不断探索不断创新的历史。当创新成了我们文明进步的自然法则时，我们决不能忽略美的前提。失去了美的前提的任何艺术创新都是毫无意义的，与此同时，失去了创造的美，也同样失去了艺术的审美特性。艺术特别是绘画艺术的创新，就其本质而言就在于美的创造。

文章来源：《美术报》2006.1.14

参考资料
文章来源：《美术报》2006.1.14 薛宣林艺术网

9、结合艺术实践(艺术作品)谈谈继承与创新的关系

继承是创新的基础；在的继承基础上创新，是最好的继承。任何外来艺术都面临着如何“民族化”的问题，都需要着力研究解决如何在创作上走出中国风格、中国气派的艺术道路的问题。要注意探索如何以这一艺术品种去表现中华民族的文化精髓和中国人民的思想情感，着力研究如何在保持该艺术品种特质的同时，使之与当代中国文化的精神相结合。纵观历史，古人是任何解决外来艺术“民族化”的问题，比如宗教美术就经历了民族化的过程。现代人，比如刚刚过世的吴冠中先生是任何将油画艺术“民族化”的等等。

10、艺术发展中的历史继承性与革新创造之间是什么关系，具体分析？

(1)在艺术发展的各种因素中，继承和创新是一对重要的范畴和基本的规律。

(2)艺术版在它的发展过权程中其内在结构是有继承性的，这种继承性，反映着社会意识形态和人们审美观念的连续性。

(3)艺术的历史继承性，首先表现为对本民族艺术遗产的吸收和接受，以及对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸纳。艺术的历史继承性，在艺术的形式与技巧、内容、审美观念和创作方法等方面均有突出的表现。

(4)艺术发展的过程就是一个不断除旧布新、推陈出新的过程。

(5)在艺术发展过程中，继承是手段，创新是目的。

(6)创新，是在继承基础上的创新。为了创新，就要坚持批判的原则，对过去的文化遗产取其精华，去其糟粕，创造出新鲜的艺术品，以适应新时代的人们对于审美文化和艺术的要求。